Cesare Biasini Selvaggi
Federico Gori
R-esistenze verso l’infinita fluidità della materia
Federico Gori è uno scultore con la consapevolezza di essere un operatore visivo impegnato nell’arte dell’accogliere una nuova possibilità di visione. La pratica scultorea è per l’artista un momento, una faglia, una rottura che lega il fare a un tempo del cosmo lontanissimo eppure presente, che apre crepe e sguardi verso le profondità del simbolo, del mito e dell’esoterismo. Dalla complessità delle linee strutturali all’uso di codici nascosti, ogni sua creazione conduce a narrazioni visionarie e a esperienze archetipiche che rappresentano l’evoluzione, in chiave contemporanea, dei solidi sfondi naturalistici rinascimentali.
La sua ricerca esplora le complesse relazioni tra il corpo e l’ambiente naturale, le analogie tra forme culturali e naturali. Il potere evocativo delle immagini gli permette di far vacillare il dualismo poetico-politico e quello realtà-finzione, che diventano gli ingredienti di una narrazione che si focalizza sulla relazione tra archetipi estrapolati dalla memoria collettiva e dettagli emersi dal vissuto individuale. Le sculture che ne emergono sono ponti tra la concretezza di un reale incerto e la dimensione fantastica abitata da memorie primigenie.
La sua indagine nel metafisico si concentra sui processi di produzione che riconoscono ai manufatti la capacità di cambiare le probabilità all’interno delle strutture della realtà. È quanto Gori compie con erba, terra e radici su tela, oppure a mezzo di carbone e cenere su tela, nella serie Corteccia (2015). Opere che esaminano i meccanismi legati alla trasformazione e indagano la dimensione sensuale della materia all’interno di un immaginario che evoca un legame “originario” a una natura potente, creatrice e feconda non ancora spogliata del suo afflato magico, di cui l’artista nutre con sapienza un’estetica perturbante.
Egli concepisce la scultura come un atto sciamanico, in cui i corpi si fondono nella terra o nel metallo, i sessi si uniscono e la finitudine terrena si trasforma in trascendenza. Pertanto, la sua pratica si radica in una profonda indagine sui materiali e sulla loro lavorazione tesa tra tradizione artigianale e intenzione artistica, come nel caso de L’età dell’oro (la muta) (2022), compiuta tra pelle di serpente (muta), oro, argento, bronzo, ferro, rame, metallo, vetro e legno. Nel suo lavoro, si avvale di strumenti e metodologie spesso non convenzionali e, attraverso installazioni site-specific e interventi temporanei, esplora la dicotomia tra naturale e artificiale. La sua ricerca sui materiali naturali si intreccia alla riscoperta di tecniche artistiche storiche attualizzate secondo nuove intuizioni: l’astrazione poetica dei segni d’erosione attraverso il rilievo nel metallo, la luce come gioco atmosferico nei riflessi, nell’installazione permanente Il vello d’oro (2022) con metallo, vetroresina, cemento, foglia oro 24kt abbracciati a un antico albero dell’Isola Bisentina del Lago di Bolsena (Viterbo).
Tra i vari materiali, Gori utilizza l’argilla, esaltandone crepe e imperfezioni, e terra battuta in modalità che ne accentuano la sua decomposizione e natura temporale. Oppure incisioni e ossidazioni naturali su rame di dimensioni ambientali (Estinti. Il gelo e la luce, 2022). Egli mira a far affiorare le qualità intrinseche dei materiali utilizzati, organici e inorganici, donando loro una parvenza di vita. La mescolanza di svariate tecniche porta il pubblico a percepire un’aura di suggestione che solo la natura sa donare, restituendo l’immagine di un mondo dove artificiale e naturale dialogano senza sosta rivisitando continuamente i propri confini.
Gori pone l’attenzione sul risultato dell’agire umano nei confronti del mondo e lo relaziona con il comportamento degli ecosistemi naturali, in un permanente stato di partecipazione e simbiosi. Simbolismo di ispirazione surrealista e mitologia hanno il compito di narrare questa relazione che diventa lo spunto per ricreare universi alla stregua di Come afferrare il vento (2015), in cui si stagliano nell’ambiente entità fluttuanti, incisioni e ossidazioni naturali su rame, metallo, piombo, che invitano lo spettatore a riflettere sulle sfumature della condizione umana e la società odierna, sull’idea di cambiamento, come dato intrinseco di tutte le cose. In tal senso, la sfida della restituzione formale resta sempre aperta, suscettibile di accidenti e imperfezioni che si fanno specchio di una metodologia di indagine e di lavoro. Con il tempo, ogni oggetto ed essere perde il suo “significato” originario per assumere un nuovo senso, una nuova funzione. E anche se il significato dell’essere può cambiare, la sua essenza rimane, impressa da Gori in quella tattilità amplificata e rilanciata dalla trama di incisioni e ossidazioni naturali sul metallo.
Questa scoperta di sé corrisponde in Gori alla scoperta del paesaggio. La sua ricerca costituisce una cartografia sentimentale, prende forma attraverso la mappatura emozionale dei luoghi, a partire dal mezzo del disegno (la serie Solaterra del 2016, inchiostri su carta trasparente). Paesaggi da intendersi come soglie sulle quali le esperienze di margine, fragilità, imperfezione, alterità si muovono ed esprimono contro-narrazioni che provano a decentrare lo sguardo, ad aprire spazi di libertà e resistenza: come Di fragilità e potenza (2013) con le loro incisioni e ossidazioni naturali su rame e una quercia da sughero; Revolving Doors (2016) tra marmo Bardiglio e specchi; oppure il muro a secco di Ogni muro è una porta (2015). Qui il paesaggio assurge a metodo di conquista di spazi inesorabili, autonomi, psicologico-primordiali, dove il confine tra tempo storico e biologico sembra essere sfumato in una materia fluida e plasmabile.
Pubblicato in: Federico Gori, The Golden Age – a cura di Eva Degl’Innocenti, Lorenzo Madaro - ed. Magonza, Arezzo 2024.
Cesare Biasini Selvaggi
Federico Gori
R-esistences towards the infinite fluidity of matter
Federico Gori is a sculptor with the awareness of being a visual practitioner engaged in the art of embracing a new possibility of vision. For the artist, the practice of sculpture is a moment, a fault, a rupture that links the act of creation to a time in the cosmos that is distant yet present. This practice opens cracks and perspectives towards the depths of symbolism, myth, and esotericism. From the complexity of structural lines to the use of hidden codes, each of his creations leads to visionary narratives and archetypal experiences that represent the evolution, in a contemporary key, of the solid naturalistic backgrounds of the Renaissance.
His research explores the complex relationships between the body and the natural environment, the analogies between cultural and natural forms. The evocative power of images allows him to waver the poetic-political dualism and the reality-fiction dualism, which become the ingredients of a narrative that focuses on the relationship between archetypes extrapolated from collective memory and details emerged from individual experience. The resulting sculptures are bridges between the concreteness of an uncertain reality and the fantastic dimension inhabited by primordial memories.
His investigation into the metaphysical focuses on production processes that recognize artifacts' ability to alter probabilities within the structures of reality. This is what Gori accomplishes with grass, earth, and roots on canvas, or with charcoal and ash on canvas, in the series Corteccia (2015). These works examine the mechanisms related to transformation and explore the sensual dimension of matter within an imaginary that evokes an "original" connection to a powerful, creative, and fertile nature not yet stripped of its magical breath, which the artist wisely nurtures with a disturbing aesthetic.
He conceives of sculpture as a shamanic act, where bodies merge with the earth or metal, sexes unite, and earthly finitude transforms into transcendence. Therefore, his practice is rooted in a deep investigation of materials and their processing, stretched between artisanal tradition and artistic intention, as in the case of L’età dell’oro (la muta) (2022), created with snake skin (shedding), gold, silver, bronze, iron, copper, metal, glass, and wood. In his work, he employs often unconventional tools and methodologies and, through site-specific installations and temporary interventions, explores the dichotomy between natural and artificial. His research on natural materials intertwines with the rediscovery of historical artistic techniques, updated with new insights: the poetic abstraction of erosion marks through relief in metal, light as an atmospheric play in reflections, in the permanent installation Il vello d’oro (2022) with metal, fiberglass, cement, 24kt gold leaf embraced by an ancient tree on the Bisentina Island in Lake Bolsena (Viterbo).
Among the various materials, Gori uses clay, highlighting its cracks and imperfections, and beaten earth in ways that accentuate its decomposition and temporal nature. He also uses natural etchings and oxidations on copper of environmental dimensions (Extinct. The Frost and the Light, 2022). He aims to bring out the intrinsic qualities of the materials used, both organic and inorganic, giving them an appearance of life. The blend of various techniques leads the audience to perceive an aura of enchantment that only nature can provide, restoring the image of a world where the artificial and natural continuously dialogue, constantly revisiting their boundaries.
Gori focuses on the impact of human actions on the world and relates it to the behavior of natural ecosystems, in a permanent state of participation and symbiosis. Symbolism inspired by surrealism and mythology narrate this relationship, which becomes the starting point for recreating universes akin to Come afferrare il vento (2015), where floating entities, natural etchings, and oxidations on copper, metal, and lead stand out in the environment. These invite the viewer to reflect on the nuances of the human condition and contemporary society, on the idea of change as an intrinsic aspect of all things. In this sense, the challenge of formal restitution remains ever open, susceptible to accidents and imperfections that reflect a methodology of investigation and work. Over time, every object and being loses its original "meaning" to assume a new sense, a new function. And even if the meaning of being can change, its essence remains, impressed by Gori in that amplified tactility and enhanced by the texture of etchings and natural oxidations on the metal.
This discovery of self corresponds in Gori to the discovery of the landscape. His research constitutes a sentimental cartography, taking shape through the emotional mapping of places, starting with the medium of drawing (the Solaterra series of 2016, inks on transparent paper). Landscapes are to be understood as thresholds where experiences of margin, fragility, imperfection, and otherness move and express counter-narratives that attempt to decenter the gaze, opening spaces of freedom and resistance: such as Di fragilità e potenza (2013) with their natural etchings and oxidations on copper and a cork oak; Revolving Doors (2016) between Bardiglio marble and mirrors; or the dry stone wall of Ogni muro è una porta (2015). Here, the landscape becomes a method of conquering inexorable, autonomous, psychologically-primordial spaces, where the boundary between historical and biological time seems blurred into a fluid and malleable matter.
Published in: Federico Gori, The Golden Age - Curated by Eva Degl’Innocenti, Lorenzo Madaro - ed. Magonza, Arezzo 2024.