Federico Gori - Marco Pierini

Niccolò Bonechi dialoga con Federico Gori

Come afferrare il tempo

Il titolo della mostra Come afferrare il vento si rifà ad una frase che ricorre continuamente nel testo dell ’Ecclesiaste, uno dei libri della Bibbia ebraica dove sono raccolte le parole di Qoèlet, figlio di Davide, re di Gerusalemme. Si tratta di uno sgorgare di pensieri intimi e sinceri, un’ampia riflessione sulla miserie della vita umana, dove quest’ultima è vista come un vano e disperato sforzo di afferrare la felicità. Soprattutto nella prima parte del testo, questa frase ritorna numerose volte e recita “tutto è vanita e un inseguire il vento”. Tu hai voluto modificare la composizione della frase per attribuirle una duplice interpretazione, allo stesso tempo drammatica e magica.

La frase originaria presente nel testo dell’Ecclesiaste ha una connotazione profondamente negativa, propensa a sottolineare l’impossibilità dell’essere umano di raggiungere uno stato di serenità ed equilibrio. Penso al vento come un mezzo intangibile capace di allontanare metaforicamente i ricordi, di far fluire la nostra esistenza verso una direttiva futura che non prevede ritorno. Sentire il vento che scorre, così come il tempo, impossibile da bloccare, che chiede di essere vissuto in quell’istante come se fosse il più importante di sempre.

Il titolo della mostra, da questo punto di vista, gioca proprio su questa doppia chiave di lettura, su questa contraddizione interna presente in tutte le opere: l’impossibilità per l’uomo di fermare il tempo e, in contrasto con quanto affermato adesso, l’utilizzo di un tempo cir- colare, capace se non altro di indicare alcune vie di fuga. Come scrive Carlo Levi in una sua introduzione al Tristram Shandy di Laurence Sterne e riportata poi anche da Calvino nelle sue Lezioni americane: “Tutti i mezzi, tutte le armi sono buone per salvarsi dalla morte e dal tempo. Se la linea retta è la più breve fra due punti fatali e inevitabili, le digressioni la allungheranno: e se queste digressioni diventeranno così complesse, aggrovigliate, tortuose, così rapide da far perdere le proprie tracce, chissà che la morte non ci trovi più, che il tempo si smarrisca, e che possiamo restare celati nei mutevoli nascondigli.”

Come afferrare il vento è anche il titolo di un’opera presente in mostra, forse non la più importante, certamente la più scenografica: un enorme vortice di foglie in rame che partendo dal basso, vanno incontro a chi osserva in una ascensione continua. La visione di questa opera rende immediatamente chiara la complessità e la fatica della sua realizzazione, nonché del suo allestimento. In questo condivido pienamente le parole di Werner Herzog, artista che amo moltissimo, quando parla di atletica ed estetica come aspetti essenziali nella realizzazione di un’opera.

Il ponte che si affaccia sul salone nobile di Palazzo Fabroni segna uno spartiacque all’interno del percorso della mostra: da una parte le opere su rame; dall’altra quelle su tela, le installazioni di argilla e in cemento. Nelle sale più remote, agli antipodi, sono esposti due video che in definitiva sintetizzano l’orizzonte della tua ricerca.

Per come ho pensato il progetto fin dal suon nascere, vedo la mostra come una grande opera totale composta da singole parti, ognuna di esse fortemente indispensabile. Era per me inverosimile pensare ad una mostra diversa da quella che oggi occupa le sale di Palazzo Fabroni.

La sezione di mostra con le opere in rame, allestita nell’ala nord dell’edificio settecentesco, è certamente più legata ad un concetto di sospensione, non soltanto fisico, ma anche spirituale e metafisico. Innanzitutto perché il lavoro in rame è per sua natura mutevole, subisce una naturale trasformazione dovuta all’azione dell’ossidazione a cui viene sottoposto; per questa ragione la sua percezione sarà diversa con il passare dei giorni. Ecco che si manifesta quell’aspetto magico dell’afferrare il vento.

In secondo luogo perché queste opere riscontrano in me una sensazione più intima, portandomi a considerare l’esistenza di un panteismo naturalistico. L’installazione video Ovunque proteggi chiude questo primo percorso che affronta in profondità il tema della memoria e del passaggio del tempo. I quattro video dei miei nonni manifestano sensazioni allo stesso tempo intangibili ma

non completamente astratte, per questo motivo si percepisce una mancanza di stabilità, si è come trasportati in un dimensione altra dove il tempo appare sospeso.

Al di là del ponte sono presenti opere legate alla terra. A partire dalla serie Corteccia - ciclo di opere realizzate con carbone e cenere - si avverte un forte legame fisico con essa, sia perché sono state realizzate attraverso la tecnica del frottage, il che ha comportato un approccio realmente fisico con la natura che vi è impressa; sia per come sono esposte: come si può notare le tele, imponenti nelle dimensioni, sono state allestite molto basse, in modo da permettere allo spettatore un’immersione totale con ciò che l’opera raffigura, nel tentativo di creare elementi di riscontro tangibili con cui relazionarsi.

Continuando nel percorso espositivo si aprono due sale idealmente in dialogo tra loro. Nella prima è esposta una grande installazione in cemento che si lega naturalmente al contesto architettonico che la accoglie. L’opera, posizionata a terra, condivide la sala con altre tre opere della serie Corteccia, in questo caso realizzate con erba, radici e terra, proprio per accentuare maggiormente questo di- vario concettuale tra la materia inerme e asettica rappresentata dal cemento e l’armonia vitale dell’elemento naturale. Nella sala di fianco è esposta l’installazione 13.12 composta da una serie di zolle realizzate in terracotta; un lavoro, nella sua totalità, profondamente intimo e concreto. Le zolle, le “vangate” come piace definirle a me, sono posizionate all’interno di una serie di teche. Si palesa così la volontà di innalzare ad elemento prezioso ed unico il pezzo di terra, di consacrare la sua forza generatrice e, seppur invisibile, il lavoro dell’uomo. La mostra si chiude con il video Quando la neve cadrà io non sarò mai stato qui che rappresenta, come nel caso della video installazione Ovunque proteggi, la scelta più coerente per chiudere la mostra.

Come afferrare il vento mette in chiaro quale sia la filosofia che muove la tua ricerca artistica. Il dato naturale è sempre presente, così come la volontà di cristallizzare la memoria. In questa occasione, dove hai raccolto una vasta selezione di opere, diverse per tecnica e supporti utilizzati, si avverte l’importanza del concetto di impronta.

Tutte le opere presenti in mostra, realizzate appositamente per le sale di Palazzo Fabroni, portano con sé una matrice unica, come se fossero legate l’un l’altra da un filo invisibile. An- che i video, che non sono stati prodotti espressamente per l’evento, ma recupe- rati comunque dalla mia produzione più recente, si inseriscono naturalmente nel percorso espositivo.

In tutti i lavori esposti, comprese le zolle di terracotta, non c’è assoluta intenzione di presentare la realtà; tantomeno di rincorrere una rappresentazione organica ed armoniosa. La mia ricerca è pura manifestazione del dato naturale su una superficie - che essa sia una tela o un foglio di rame -, un’impronta indelebile ma allo stesso tempo, laddove il mio inter- vento contempli la necessità di imporre un continuo divenire, mutevole.

Il mio ruolo, in questo processo creativo, si limita alla scelta. Solamente in un secondo momento entra in azione la mano dell’artista che si adopera affinché quel determinato soggetto, in quel preciso momento, venga immortalato sulla superficie.

La mostra si arricchisce di un intervento del gruppo Werner che ha composto un brano, su tua esplicita richiesta, che avesse la funzione di amplificare l’esperienza sensoriale dello spettatore. Come tutte le espressioni creative, anche la musica ha una valenza artistica, e si inserisce naturalmente nel tuo progetto, assumendo un carattere di eterea sacralità.

La scelta di optare per una filodiffusione, che permette l’ascolto anche nelle sale delle video installazioni, ritengo sia il sintomo del rigore e della coerenza della tua ricerca artistica.

La colonna sonora dei Werner è parte integrante del progetto, invita lo spettatore a calarsi in un’altra dimensione, vivendo l’esperienza della mostra con uno spirito nuovo. Le solide pareti di Palazzo Fabroni permettono alla musica di risuonare in tutte le sale, entrando così in dialettica con tutte le opere e stimolando riflessioni sempre nuove.

Pubblicato in: Federico Gori, Come afferrare il vento – a cura di Marco Pierini - ed. Gli Ori Editori Contemporanei, Pistoia 2015.

Niccolò Bonechi in conversation with Federico Gori

Like chasing after time

The title of the exhibition Come afferrare il vento (Like Chasing after the Wind) refers to a phrase that is repeated again and again in the text of Ecclesiastes, one of the books of the Hebrew Bible which brings together the words of Koheleth, son of David, king of Jerusalem. It is an outpour of intimate, honest thoughts, a general reflection on the hardships of life, seen as a pointless and desperate attempt to chase happiness.

The phrase crops up many times, particularly in the first part of the text, and recites: “everything is meaningless, a chasing after the wind”. You decided to change the com- position of the phrase to give it a dual interpretation, dramatic and magical at the same time.

The original phrase from the text of Ecclesiastes has a deeply negative meaning, tending to emphasise man’s failure to achieve a state of peace of mind and balance. I think of the wind as an intan- gible element capable of metaphorically keeping memories at bay, of propelling our existence towards the future, never to return. Feeling the wind flow, unstoppable, like time, asking to be lived in that moment as if it were the most important moment ever.

From this viewpoint, the title of the exhibition plays precisely on this dual interpretation, on this contradiction con tained in all of the works. Man’s inability to stop the passing of time and, in con- trast with the latter, the use of a circular time, which can, if nothing else, indicate some escape routes. As Carlo Levi wrote in his foreword to the Italian edition of Laurence Sterne’s Tristram Shandy, later quoted by Calvino in his Six Memos for the Next Millennium: “Every means and every weapon is valid to save oneself from death and time. If a straight line is the shortest distance between two fated and inevitable points, digressions will lengthen it; and if these digressions become so complex, so tangled and tortuous, so rapid as to hide their own tracks, who knows – perhaps death may not find us, perhaps time will lose its way and perhaps we ourselves can remain concealed in our shifting hiding places.” Come afferrare il vento is also the title of a work included in the exhibition; perhaps not the most important one, but certainly the most spectacular: a huge vortex of copper leaves that whirl upwards from the ground, in a continuous ascent towards the viewer. Seeing this work makes the complexity and hard work involved in its realisation, not to mention its assembly, instantly clear. In this sense, I agree wholeheartedly with the words of Werner Herzog, an artist I adore, when he speaks of athletics and aesthetics as essential as- pects of creating an artwork.

The walkway that overlooks the salone nobile of Palazzo Fabroni marks a divide within the exhibition. On one side are the works in copper, while those on canvas, with the clay and cement installations are on the other. The farthest rooms, at each end, present two videos which together summarise the scope of your art.

Right from its inception, I saw the exhibition as a large, whole work composed of single parts, each one highly indispensable. It was impossible for me to envisage an exhibition any different from the one that today occupies the rooms of Palazzo Fabroni.

The section of the exhibition with the works in copper, displayed in the north wing of the 14th century building, is more linked to a concept of suspension, not just physical but also spiritual and metaphysical. This is mainly because the work in copper is by its very own nature changeable. It undergoes a natural transformation due to the process of oxidation, which is why its perception changes with each passing day. This expresses the magical aspect of chasing after the wind. It is also because these works elicit a more personal response in me, prompting me to consider the existence of a naturalistic pantheism.

The video installation Ovunque proteggi (You protect everywhere) concludes this first part of the exhibition, which explores the theme of memory and the passing of time. The four videos of my grandparents express feelings that are intangible yet at the same time not completely abstract, which is why a lack of stability is perceived, like being transported into another dimension where time seems to stand still.

On the other side of the walkway are the artworks associated with the earth, where a strong physical connection with the same is perceived first in the Corteccia (Bark) series – a cycle of works made in charcoal and ashes - both because they have been created using the frottage technique, which involves a really physical approach to the nature impressed upon them, as well for how they are displayed. As you can see, the canvases, impressive in their size, have been hung very low to enable the viewer to be completely immersed in what the work portrays, in an effort to create tangible elements of reference to which the viewer can relate.

Continuing through the exhibition, we come to two rooms ideally in dialogue with each other. The first displays a large installation in cement, which naturally ties in with its architectural setting. The work, arranged on the floor, shares the room with three other works from the Corteccia series, in this case made from grass, roots and soil, to further accentu- ate this conceptual difference between the inert, aseptic matter represented by the cement and the vital harmony of the natural element.

The next room is home to the installation 13.12, composed of a series of clods made in terracotta; a work which is profoundly intimate and tangible, as a whole. The clods, or the “spadefuls” as I like to call them, are arranged inside a series of glass cases, revealing the desire to elevate the piece of soil to the status of a precious and unique element, to con- secrate its generative power and, albeit invisible, man’s labour. The exhibition concludes with the video Quando la neve cadrà io non sarò mai stato qui (When the snow falls I will never have been here) which represents, like in the case of the video installation Ovunque proteggi the most fitting way to close the exhibition.

Come afferrare il vento highlights the philosophy behind your art. The element of nature is ever-present, as is the desire to crystallise the memory. On this occasion, where you have brought a vast selection of artworks together, all different in the techniques and supports used, the importance of the concept of imprint is evident.

All of the works in this exhibition, created especially for the rooms of Palazzo Fabroni, carry one single matrix, as if they were tied to each one another by an invisible thread. Even the videos, which were not produced specifically for the event, but nonetheless taken from my most recent work, form a natural part of the exhibition.

In all of the works on display, including the terracotta clods, there is no intention whatsoever of presenting reality, let alone of striving for an organic and harmonious representation. My art is the pure manifestation of the natural element on a surface - be it a canvas or a copper sheet -, an imprint that is indelible yet at the same time changeable, where my intervention fulfils the need to impose a continuous state of flux.

My role in this creative process is restricted to choice. Only later does the hand of the artist come into play, working so that that particular subject, in that precise moment, is immortalised on the surface.

The exhibition is enriched by music by Werner, a group which has composed, at your explicit request, a piece that would serve to heighten the sensory experience of the viewer. Like all creative forms of expression, music too has an artistic value, and forms a natural part of your project, taking on a sacred and ethereal quality. The decision to opt for ambient music, also present in the video installation rooms, I believe is indicative of the precision and consistency of your art.

The soundtrack by Werner is an integral part of the exhibition; it invites the viewer to get into another frame of mind, into another dimension. The solid walls of Palazzo Fabroni allow the music to resound throughout all of the rooms, thus entering into dialogue with all of the works and stimulating new reflec- tions each time.

Published in: Federico Gori, Come afferrare il vento - Curated by Marco Pierini - ed. Gli Ori Editori Contemporanei, Pistoia 2015.