Alessandra Troncone
Pelli e reperti, tracce del corpo e del tempo.
Le opere di Federico Gori al MArTA
(Testo incluso nel volume: Federico Gori, The Golden Age - A cura di Eva Degl’Innocenti, Lorenzo Madaro - ed. Magonza, Arezzo 2024.)
Nella mostra di Federico Gori al Museo Archeologico Nazionale di Taranto – MArTA si consumano almeno due relazioni fondamentali: una trans-temporale, che mette in dialogo l’antico e il contemporaneo; l’altra di natura semiotica, che insiste sul rapporto tra il referente e il segno che lo descrive. Entrambe sembrano trovare un punto di convergenza nell’idea di reperto, quale elemento in grado di parlarci di un tempo che non è il nostro – ma con il quale scopriamo un’inattesa risonanza – e quale “indice” nella nozione peirciana, ovvero qualcosa che sta per qualcos’altro. Il concetto di traccia assume così una rilevanza fondamentale in tutto il percorso espositivo; le opere di Gori appaiono esse stesse come tracce disseminate, chiamate a instaurare di volta in volta dialoghi più o meno serrati con gli spazi e con la collezione del museo tarantino, ma anche accomunate dall’impronta in termini di idea e processo.
È una traccia sonora quella di Cerimònia, che abita il chiostro con l’intento di plasmare l’atteggiamento dei visitatori, agendo su un corpo mutevole; sono tracce di una trasformazione avvenuta e in corso le pelli di serpente di L’età dell’oro (la muta), resti organici mutuati in oggetti nobili grazie al bagno galvanico in cinque metalli diversi (oro, argento, bronzo, rame e ferro) che richiamano le diverse età descritte da Esiodo ne Le opere e i giorni; ancora, sono tracce salvatesi dall’estinzione quelle raccolte in Estinti, silhouette di piante sopravvissute al tempo solo in veste di reperti fossili, le cui forme si ripetono come pattern su lastre di rame suscettibili di un processo di ossidazione. Sono superfici tracciate con la tecnica del frottage quelle di Corteccia, nelle quali la mano si fa sismografo nel registrare la discontinuità del tronco per restituirla su tele di grande formato: come per le pelli di serpente e per le piante estinte, il corpo scompare per lasciare spazio a un involucro che ne conserva l’impronta. Infine, La somiglianza per contatto, che già nel titolo suggerisce “l’indicalità” del segno, si avvale del procedimento del calco che intrappola la forma originaria di rami e tronchi d’albero per riproporle come sculture, mai identiche all’originale di partenza e tra loro, distese come ossa abbandonate a ricordare un corpo che non c’è più.
Se il tempo è la materia principale con cui Gori intende confrontarsi, questo è chiaro sin dalla scelta dei materiali che compaiono nelle sue opere: esuvie di serpente, rame, terra diatomacea (o farina fossile), nella loro diversità alludono a una fragilità intrinseca che inevitabilmente si confronta con il passaggio del tempo, arrendendosi a una trasformazione che può voler dire anche sparizione. Una sorte che è propria del reperto, quale residuo in grado di reggere all’impatto del tempo e consegnarci la forma e il racconto di una vita passata, sia esso un manufatto o un resto fossile.
A metà strada tra la traccia archeologica e quella paleontologica, queste opere descrivono anche la tensione causata non solo dai cambiamenti di stato naturali, ma anche dall’intervento dell’essere umano: come un bisbiglio di fondo in tutto il percorso espositivo, questo compare – anch’egli in forma di traccia – nelle sculture in terracotta e radici trattate sotto il titolo 13.12, che si presentano come “finti” agglomerati di materia naturale quando invece sono stati modellati dall’artista. Silenziosi intrusi nelle teche museali, le abitano come presenze enigmatiche, condividendo con gli oggetti della collezione esposti proprio la loro natura di “artefatti”. La presenza umana è inoltre riscontrabile in Le meditazioni di Marco Aurelio, incisioni e ossidazioni naturali su rame che riportano frammenti del cranio di uomini primitivi a confronto con ritratti di epoca romana. Come i reperti fossili recuperati in Estinti, qui i frammenti ossei diventano radiografie di un corpo svanito, solchi incisi da percorrere come linee del tempo.
Al termine della nostra visita insieme alla mostra al MArTA, Gori mi ha chiesto se il mio identificare queste opere come reperti fosse condizionata dalla loro esposizione in un museo archeologico. Non ho saputo dare una risposta decisa sul momento, ma credo di poterlo fare adesso: per quanto il contesto amplifichi naturalmente la percezione di questi lavori, non basta tuttavia a indirizzarne la lettura e l’interpretazione. Possiamo considerare queste opere come dei reperti perché attraversano epoche diverse attingendo a forme, materiali, tracce del passato, ma allo stesso tempo appaiono investite di un discorso sul nostro tempo, ritrovandosi a quell’appuntamento segreto tra arcaico e moderno di cui parla Giorgio Agamben nella sua riflessione su cosa è contemporaneo.
Le opere di Gori non parlano del tempo ma lo incarnano, ne assorbono l’idea di passaggio, di mutevolezza, di fragilità e come reperti ne sfidano gli effetti, sganciandosi da un’epoca precisa per farsi immagine di un momento che, nel suo essere senza tempo, ne rappresenta per questo l’essenza più pura.
Alessandra Troncone
Skins and artifacts, traces of the body and time.
The works of Federico Gori at MarTA
(Text included in the volume: Federico Gori, The Golden Age - Curated by Eva Degl’Innocenti, Lorenzo Madaro - ed. Magonza, Arezzo 2024.)
In Federico Gori's exhibition at the National Archaeological Museum of Taranto – MArTA, at least two fundamental relationships unfold: one trans-temporal, creating a dialogue between the ancient and the contemporary; the other semiotic, focusing on the relationship between the referent and the sign that describes it. Both seem to converge on the idea of the artifact, as an element capable of speaking to us of a time that is not our own – but with which we discover an unexpected resonance – and as an 'index' in Peircean terms, that is, something that stands for something else. The concept of the trace thus assumes fundamental importance throughout the exhibition; Gori's works themselves appear as scattered traces, called upon to establish more or less close dialogues with the spaces and the collection of the Taranto museum, but also united by their imprint in terms of idea and process.
It is a sound trace in Cerimònia, which inhabits the cloister with the intent of shaping the attitude of visitors, acting on a mutable body; the snake skins in L’età dell’oro (la muta) are traces of a transformation that has occurred and is ongoing, organic remains transformed into noble objects through galvanic baths in five different metals (gold, silver, bronze, copper, and iron) that recall the different ages described by Hesiod in Works and Days; again, the traces preserved from extinction are those collected in Estinti, silhouettes of plants that have survived time only as fossil remains, whose forms are repeated like patterns on copper plates susceptible to a process of oxidation. The surfaces in Corteccia are traced using the frottage technique, where the hand acts as a seismograph recording the discontinuity of the trunk to reproduce it on large-format canvases: as with the snake skins and the extinct plants, the body disappears to make space for a shell that preserves its imprint. Finally, La somiglianza per contatto (Similarity by Contact), which already in its title suggests the 'indexicality' of the sign, uses the casting process that traps the original form of branches and tree trunks to re-present them as sculptures, never identical to the original nor to each other, spread out like abandoned bones to recall a body that is no longer there.
If time is the main material Gori intends to engage with, this is evident from the choice of materials that appear in his works: snake exuviae, copper, diatomaceous earth (or fossil flour), in their diversity, allude to an intrinsic fragility that inevitably confronts the passage of time, surrendering to a transformation that can also mean disappearance. This fate is inherent to the artifact, as a remnant capable of withstanding the impact of time and conveying to us the form and story of a past life, whether it is a manufactured object or a fossil remain.
Halfway between the archaeological trace and the paleontological one, these works also describe the tension caused not only by natural state changes but also by human intervention: like a background whisper throughout the exhibition, this appears – also in the form of a trace – in the terracotta and root sculptures under the title 13.12, which present themselves as 'fake' agglomerates of natural matter when in fact they have been shaped by the artist. Silent intruders in the museum display cases, they inhabit them as enigmatic presences, sharing with the exhibited objects from the collection their very nature as 'artifacts.' Human presence is also evident in Le meditazioni di Marco Aurelio, natural engravings and oxidations on copper that depict fragments of primitive human skulls in contrast with Roman-era portraits. Like the fossil remains recovered in Estinti, here the bone fragments become x-rays of a vanished body, grooves etched to be traversed like lines of time.
At the end of our visit to the exhibition at MArTA, Gori asked me if my identifying these works as artifacts was influenced by their display in an archaeological museum. I couldn't give a definitive answer at the moment, but I think I can now: although the context naturally amplifies the perception of these works, it is not enough to direct their reading and interpretation. We can consider these works as artifacts because they traverse different eras, drawing on forms, materials, and traces of the past, but at the same time, they are imbued with a discourse on our time, finding themselves at that secret meeting point between the archaic and the modern that Giorgio Agamben speaks of in his reflection on what is contemporary.
Gori's works do not speak of time but embody it; they absorb the idea of passage, mutability, and fragility, and like artifacts, they challenge its effects, detaching themselves from a specific era to become an image of a moment that, in its timelessness, represents its purest essence.